RHYS LEE
Recent paintings
November 28 - December 14, 2019
The timeless sense of familiarity and the uncompromising attitude of contemporariness is regularly the first impression one gets when looking at the vibrant oils and pastels by Rhys Lee. Painted in a small country town in Victoria, Australia, they lend themselves to a European context and atmosphere while reflecting the artist's thoughts of the world outside of the studio, his little hometown, and remote country.
Quite formal and classic in terms of subject matter, the paintings included in Lee's European debut feature traditional formats with the seated female subject, a figure smoking in a trench coat, or classic portraits, all done through the prism of raw abstract figuration. Although clearly influenced by traditional motifs and subjects and the works by the local greats such as Soutine, Ensor, Rousseau, Bourgeois, Cezanne, or Matisse, some of the pieces in the show subtly reveal his graffiti background through letter-like abstracted forms that evoke still life format.
In his practice, Lee is putting an obvious focus on textures and layers, allowing materials and tools to leave marks of the process. Regularly working with used, neglected, or shaggy brushes, he is leaving the traditional painterly technique aside while purposely pushing the creative process too far. Through such pressure, he almost destroys the original image, but then brings it back and resuscitate it, often turning it into a new painting that it might not have been. During this course of action, the artist is making spontaneous decisions about color and texture, which makes both his process and the end result exciting and surprising. The extraordinarily hues and gradients, a variety of line work utilized, as well as unexpected textures, are all accomplished by allowing the paint to dictate the route and the final outcome.
With the creative methods themselves being vital elements of the work, the paintings are carrying their scars and bruises, proudly revealing the different stages they've developed through. Although only learning to have patience and be able to re-approach the work with fresh eyes, the frustration and impatience are often the keys to breakthrough moments in his practice. Working from a photo, a painting, a sculpture, or a film still, the artist manipulates multiple drawings in different stages until they become an abstraction of their own, and it's only in the recent body of work that he's been consciously working towards making images that are reasonably true to the initial idea or reference.
© Courtesy of Rhys Lee and cadet capela
© Credits photo: Thomas Marroni
La familiarité intemporelle et le caractère résolument contemporain sont régulièrement les premières impressions que l'on a en regardant les huiles et pastels vibrants de Rhys Lee. Peintes dans une petite ville de l’Etat du Victoria, en Australie, ses œuvres reflètent une atmosphère et un contexte européens tout en reflétant les pensées de l'artiste sur le monde extérieur de l'atelier, sa petite ville natale et son pays lointain.
Assez formelles et classiques en termes de thématiques, les peintures de la première exposition en France de Lee présentent des thèmes traditionnels avec le sujet féminin assis, une figure fumant dans un trench-coat, ou des portraits classiques, tous réalisés à travers le prisme de la figuration brute abstraite. Bien que clairement influencés par les sujets traditionnels et les œuvres des grands noms tels que Soutine, Ensor, Rousseau, Bourgeois, Cézanne ou Matisse, certaines pièces de l'exposition révèlent subtilement son expérience du graffiti par des formes abstraites, à la façon de lettres, qui évoquent aussi des natures mortes.
Dans sa pratique, Lee met l'accent sur les textures et les différentes couches, permettant aux matériaux et aux outils de laisser des traces du processus. Travaillant habituellement avec des pinceaux usagés, négligés ou hirsutes, il laisse de côté la technique traditionnelle de la peinture à l’huile tout en poussant volontairement le processus créatif trop loin. Avec une telle pression, il détruit presque l'image originale pour la ressusciter ensuite, la transformant souvent en une nouvelle peinture, absolument imprévisible. Au cours de ce cheminement, l'artiste prend des décisions spontanées sur la couleur et la texture, ce qui rend à la fois son procédé et le résultat définitif excitants et surprenants. Les teintes et les dégradés extraordinaires, la variété des lignes utilisées, ainsi que les textures inattendues, sont tous obtenus en laissant la peinture dicter l'itinéraire et le résultat final.
Les méthodes créatives étant elles-mêmes des éléments vitaux de l'œuvre, les peintures portent leurs cicatrices et leurs contusions, révélant fièrement les différentes étapes qu'elles ont traversées. Bien qu'il apprenne à faire preuve de patience et à aborder le travail avec un regard neuf, la frustration et l'impatience sont souvent les clés des moments décisifs dans sa pratique. Travaillant à partir d'une photo, d'une peinture, d'une sculpture ou d'une image de film, l'artiste manipule de nombreux dessins à différentes étapes jusqu'à ce qu'ils deviennent une abstraction sans réserve, et c'est seulement dans son œuvre récente qu'il s'est consciemment employé à créer des images qui sont raisonnablement conformes à son idée ou référence initiale.